Sergei Vasilyevich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninoff

Dhe unë kisha një tokë amtare; Ai është i mrekullueshëm! A. Pleshcheev (nga G. Heine)

Rachmaninov u krijua nga çeliku dhe ari; Çeliku në duart e tij, ari në zemrën e tij. I. Hoffman

"Unë jam një kompozitor rus dhe atdheu im ka lënë gjurmë në karakterin tim dhe pikëpamjet e mia." Këto fjalë i përkasin S. Rachmaninov, kompozitorit të madh, pianistit dhe dirigjentit të shkëlqyer. Të gjitha ngjarjet më të rëndësishme të jetës shoqërore dhe artistike ruse u pasqyruan në jetën e tij krijuese, duke lënë një gjurmë të pashlyeshme. Formimi dhe lulëzimi i veprës së Rachmaninov bie në vitet 1890-1900, kohë kur në kulturën ruse ndodhën proceset më komplekse, pulsi shpirtëror rrihte me ethe dhe nervozizëm. Ndjenja akute lirike e epokës, e natyrshme në Rachmaninov, shoqërohej pa ndryshim me imazhin e Atdheut të tij të dashur, me pafundësinë e hapësirave të tij të gjera, fuqinë dhe aftësinë e dhunshme të forcave të tij elementare, brishtësinë e butë të natyrës së lulëzuar pranverore.

Talenti i Rachmaninov u shfaq herët dhe me shkëlqim, megjithëse deri në moshën dymbëdhjetë vjeç ai nuk tregoi shumë zell për mësime sistematike të muzikës. Filloi të mësonte të luante piano në moshën 4-vjeçare, në vitin 1882 u pranua në Konservatorin e Shën Petersburgut, ku, i lënë në duart e tij, u ngatërrua shumë dhe në 1885 u transferua në Konservatorin e Moskës. Këtu Rachmaninoff studioi piano me N. Zverev, pastaj A. Siloti; në lëndët teorike dhe kompozicioni – me S. Taneyev dhe A. Arensky. Duke jetuar në një konvikt me Zverev (1885-89), ai kaloi një shkollë të ashpër, por shumë të arsyeshme të disiplinës së punës, e cila e ktheu atë nga një person i dëshpëruar dembel dhe i keq në një person jashtëzakonisht të mbledhur dhe me vullnet të fortë. "Më të mirën që kam tek unë, ia kam borxh atij," tha Rachmaninov më vonë për Zverev. Në konservator, Rachmaninoff u ndikua fuqishëm nga personaliteti i P. Tchaikovsky, i cili, nga ana tjetër, ndoqi zhvillimin e të preferuarit të tij Seryozha dhe, pasi u diplomua në konservator, ndihmoi në vënien në skenë të operës Aleko në Teatrin Bolshoi, duke ditur nga ai Përvoja e trishtuar sa e vështirë është për një muzikant fillestar të vendosë rrugën tënde.

Rachmaninov u diplomua në Konservatorin për piano (1891) dhe kompozim (1892) me një Medalje të Madhe të Artë. Në këtë kohë, ai ishte tashmë autor i disa kompozimeve, duke përfshirë Preludin e famshëm në C mprehtë, romancën "Në heshtjen e natës sekrete", Koncertin e Parë për Piano, operën "Aleko", shkruar si një vepër diplomimi. në vetëm 17 ditë! The Fantasy Pieces që pasuan, op. 3 (1892), Trio Elegjiake “Në kujtim të një artisti të madh” (1893), Suitë për dy piano (1893), Momente muzikore op. 16 (1896), romancat, veprat simfonike - "The Cliff" (1893), Capriccio mbi temat cigane (1894) - konfirmuan mendimin e Rachmaninov si një talent të fortë, të thellë, origjinal. Imazhet dhe gjendjet shpirtërore karakteristike të Rachmaninoff shfaqen në këto vepra në një gamë të gjerë - nga pikëllimi tragjik i "Momentit Muzikor" në B minor deri te apoteoza himnike e romancës "Spring Waters", nga presioni i ashpër spontan-vullnetar i “Momenti muzikor” në E minor deri në akuarelin më të mirë të romancës “Island”.

Jeta në këto vite ishte e vështirë. Vendimtar dhe i fuqishëm në performancë dhe kreativitet, Rachmaninoff ishte nga natyra një person i pambrojtur, shpesh duke përjetuar vetë-dyshim. Ndërhyrë me vështirësi materiale, çrregullime të kësaj bote, bredhje në qoshe të çuditshme. Dhe megjithëse mbështetej nga njerëzit e afërt, kryesisht familja Satin, ai ndihej i vetmuar. Tronditja e fortë e shkaktuar nga dështimi i Simfonisë së tij të Parë, interpretuar në Shën Petersburg në mars 1897, çoi në një krizë krijuese. Për disa vite Rachmaninoff nuk kompozoi asgjë, por aktiviteti i tij interpretues si pianist u intensifikua dhe ai bëri debutimin e tij si dirigjent në Operën Private të Moskës (1897). Gjatë këtyre viteve, ai u takua me L. Tolstoin, A. Chekhov, artistë të Teatrit të Artit, filloi një miqësi me Fyodor Chaliapin, të cilën Rachmaninov e konsideroi një nga "përvojat artistike më të fuqishme, të thella dhe delikate". Në 1899, Rachmaninoff performoi jashtë vendit për herë të parë (në Londër), dhe në 1900 ai vizitoi Italinë, ku u shfaqën skicat e operës së ardhshme Francesca da Rimini. Një ngjarje e gëzueshme ishte vënia në skenë e operës Aleko në Shën Petersburg me rastin e 100-vjetorit të A. Pushkinit me Chaliapin në rolin e Alekos. Kështu, gradualisht po përgatitej një pikë kthese e brendshme dhe në fillim të viteve 1900. pati një rikthim në krijimtari. Shekulli i ri filloi me Koncertin e Dytë të Pianos, i cili tingëllonte si një alarm i fuqishëm. Bashkëkohësit dëgjuan tek ai zërin e kohës me tensionin, eksplozivitetin dhe ndjenjën e ndryshimeve të afërta. Tani zhanri i koncertit po bëhet ai kryesor, është në të që idetë kryesore mishërohen me plotësinë dhe gjithëpërfshirjen më të madhe. Fillon një fazë e re në jetën e Rachmaninov.

Njohje e përgjithshme në Rusi dhe jashtë saj merr veprimtarinë e tij pianiste dhe dirigjente. 2 vjet (1904-06) Rachmaninov punoi si dirigjent në Teatrin Bolshoi, duke lënë në historinë e tij kujtimin e prodhimeve të mrekullueshme të operave ruse. Më 1907 mori pjesë në Koncertet Historike Ruse të organizuara nga S. Diaghilev në Paris, më 1909 interpretoi për herë të parë në Amerikë, ku luajti Koncertin e Tretë për Piano të drejtuar nga G. Mahler. Aktiviteti intensiv i koncerteve në qytetet e Rusisë dhe jashtë saj u kombinua me krijimtarinë jo më pak intensive, dhe në muzikën e kësaj dekade (në kantatën "Pranvera" - 1902, në preludet op. 23, në finalet e Simfonisë së Dytë dhe Koncerti i Tretë) ka shumë entuziazëm dhe entuziazëm të zjarrtë. Dhe në kompozime të tilla si romancat "Jargavan", "Këtu është mirë", në preludet në D major dhe G major, "muzika e forcave kënduese të natyrës" tingëllonte me depërtim të mahnitshëm.

Por në të njëjtat vite ndjehen edhe disponime të tjera. Mendimet e trishta për atdheun dhe fatin e tij të ardhshëm, reflektimet filozofike për jetën dhe vdekjen lindin imazhe tragjike të Sonatës së Parë të Pianos, frymëzuar nga Fausti i Goethe-s, poema simfonike "Ishulli i të vdekurve" bazuar në pikturën e artistit zviceran. A. Böcklin (1909), shumë faqe të Koncertit të Tretë, romanca op. 26. Ndryshimet e brendshme u bënë veçanërisht të dukshme pas vitit 1910. Nëse në Koncertin e Tretë tragjedia kapërcehet përfundimisht dhe koncerti përfundon me një apoteozë ngazëllyese, atëherë në veprat që e pasuan ajo thellohet vazhdimisht, duke sjellë në jetë imazhe agresive, armiqësore, të zymta, disponimi në depresion. Gjuha muzikore bëhet më e ndërlikuar, fryma e gjerë melodike aq karakteristike për Rachmaninov zhduket. Të tilla janë poema vokalo-simfonike “Këmbanat” (në shën. E. Poe, përkthyer nga K. Balmont – 1913); romancat op. 34 (1912) dhe op. 38 (1916); Etyde-piktura op. 39 (1917). Sidoqoftë, pikërisht në këtë kohë Rachmaninoff krijoi vepra plot kuptime të larta etike, të cilat u bënë personifikimi i bukurisë shpirtërore të qëndrueshme, kulmi i melodisë së Rachmaninov - "Vokaliza" dhe "Vigjilja e gjithë natës" për kor a cappella (1915). “Që nga fëmijëria, jam magjepsur nga meloditë e mrekullueshme të Oktoikh. Gjithmonë e kam ndjerë se për përpunimin e tyre koral duhet një stil i veçantë, i veçantë dhe, më duket, e kam gjetur në Mbrëmje. Nuk mund të mos rrëfej. se shfaqja e parë e tij nga Kori Sinodal i Moskës më dha një orë kënaqësinë më të lumtur”, kujton Rachmaninov.

Më 24 dhjetor 1917, Rachmaninov dhe familja e tij u larguan nga Rusia, siç doli, përgjithmonë. Për më shumë se një çerek shekulli ai jetoi në një tokë të huaj, në SHBA, dhe kjo periudhë ishte kryesisht e mbushur me aktivitete sfilitëse koncertale, duke iu nënshtruar ligjeve mizore të biznesit muzikor. Rachmaninov përdori një pjesë të konsiderueshme të tarifave të tij për të ofruar mbështetje materiale për bashkatdhetarët e tij jashtë dhe në Rusi. Kështu, i gjithë koleksioni për shfaqjen në prill 1922 u transferua në dobi të të uriturve në Rusi, dhe në vjeshtën e vitit 1941 Rakhmaninov dërgoi më shumë se katër mijë dollarë në fondin e ndihmës së Ushtrisë së Kuqe.

Jashtë vendit, Rachmaninoff jetoi i izoluar, duke kufizuar rrethin e tij të miqve tek emigrantët nga Rusia. Përjashtim u bë vetëm për familjen e F. Steinway, kreut të firmës së pianos, me të cilin Rachmaninov kishte marrëdhënie miqësore.

Vitet e para të qëndrimit jashtë vendit, Rachmaninov nuk e la mendimin për humbjen e frymëzimit krijues. “Pas largimit nga Rusia, humba dëshirën për të kompozuar. Duke humbur atdheun tim, humba veten”. Vetëm 8 vjet pas largimit jashtë vendit, Rachmaninov i rikthehet krijimtarisë, krijon Koncertin e Katërt për Piano (1926), Tri këngë ruse për kor dhe orkestër (1926), Variacione në një temë të Corelli për piano (1931), Rapsodi në temën e Paganinit. (1934), Simfonia e tretë (1936), “Vallet simfonike” (1940). Këto vepra janë ngritja e fundit, më e lartë e Rachmaninoff. Një ndjenjë e pikëlluar e humbjes së pariparueshme, një dëshirë e zjarrtë për Rusinë lind një art me fuqi të madhe tragjike, duke arritur kulmin e tij në Vallet Simfonike. Dhe në Simfoninë e Tretë të shkëlqyer, Rachmaninoff mishëron për herë të fundit temën qendrore të veprës së tij - imazhin e Atdheut. Mendimi intensiv i përqendruar rreptësisht i artistit e ngjall atë nga thellësia e shekujve, ai lind si një kujtim pafundësisht i dashur. Në një ndërthurje komplekse temash, episodesh të larmishme, shfaqet një këndvështrim i gjerë, rikrijohet një epope dramatike e fatit të Atdheut, duke përfunduar me një afirmim fitimtar të jetës. Pra, në të gjitha veprat e Rachmaninoff mbart paprekshmërinë e parimeve të tij etike, shpirtërore të lartë, besnikëri dhe dashurinë e pashmangshme për Atdheun, personifikimi i së cilës ishte arti i tij.

O. Averyanova

• Muzeu-pasuria e Rachmaninov në Ivanovka →
• Veprat e pianos nga Rachmaninoff →
• Veprat simfonike të Rachmaninoff →
• Arti instrumental i dhomës së Rachmaninov →
• Veprat e operës nga Rachmaninoff →
• Vepra korale nga Rachmaninoff →
• Romanca nga Rachmaninoff →
• Rachmaninov-dirigjent →

Karakteristikat e krijimtarisë

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, së bashku me Scriabin, është një nga figurat qendrore të muzikës ruse të viteve 1900. Puna e këtyre dy kompozitorëve tërhoqi vëmendjen veçanërisht të ngushtë të bashkëkohësve, ata debatuan me zjarr për të, filluan diskutime të mprehta të shtypura rreth veprave të tyre individuale. Përkundër gjithë pabarazisë së pamjes individuale dhe strukturës figurative të muzikës së Rachmaninov dhe Scriabin, emrat e tyre shpesh shfaqeshin krah për krah në këto mosmarrëveshje dhe krahasoheshin me njëri-tjetrin. Kishte arsye thjesht të jashtme për një krahasim të tillë: të dy ishin nxënës të Konservatorit të Moskës, të cilët u diplomuan në të pothuajse njëkohësisht dhe studionin me të njëjtët mësues, të dy u dalluan menjëherë midis bashkëmoshatarëve të tyre për forcën dhe shkëlqimin e talentit të tyre, duke marrë njohje jo vetëm si kompozitorë shumë të talentuar, por edhe si pianistë të shquar.

Por kishte edhe shumë gjëra që i ndanin dhe ndonjëherë i vendosnin në krahë të ndryshëm të jetës muzikore. Inovatori i guximshëm Scriabin, i cili hapi botë të reja muzikore, ishte kundër Rachmaninov si një artist me mendim më tradicional, i cili e bazoi punën e tij në themelet e forta të trashëgimisë klasike kombëtare. “G. Rachmaninoff, shkruante një nga kritikët, është shtylla rreth së cilës janë grupuar të gjithë kampionët e regjisë reale, të gjithë ata që vlerësojnë themelet e hedhura nga Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov dhe Çajkovski.

Sidoqoftë, me gjithë ndryshimin në pozicionet e Rachmaninov dhe Scriabin në realitetin e tyre muzikor bashkëkohor, ata u bashkuan jo vetëm nga kushtet e përgjithshme për edukimin dhe rritjen e një personaliteti krijues në rininë e tyre, por edhe nga disa tipare më të thella të përbashkëta. . "Një talent rebel, i shqetësuar" - kështu u karakterizua dikur Rakhmaninov në shtyp. Ishte ky impulsivitet i shqetësuar, ngacmimi i tonit emocional, karakteristik për veprën e të dy kompozitorëve, që e bëri atë veçanërisht të dashur dhe të afërt me qarqet e gjera të shoqërisë ruse në fillim të shekullit XNUMX, me pritjet, aspiratat dhe shpresat e tyre ankthioze. .

"Scriabin dhe Rachmaninoff janë dy "sundimtarët e mendimeve muzikore" të botës moderne muzikore ruse <...> Tani ata ndajnë hegjemoninë mes tyre në botën muzikore," pranoi LL Sabaneev, një nga apologjetët më të zellshëm për të parën dhe një kundërshtar po aq kokëfortë dhe kritikues i të dytit. Një tjetër kritik, më i moderuar në gjykimet e tij, shkroi në një artikull kushtuar një përshkrimi krahasues të tre përfaqësuesve më të shquar të shkollës muzikore të Moskës, Taneyev, Rachmaninov dhe Scriabin: tonin e jetës moderne, intensivisht të ethshme. Të dyja janë shpresat më të mira të Rusisë moderne”.

Për një kohë të gjatë, mbizotëronte këndvështrimi i Rachmaninoff-it si një nga trashëgimtarët dhe pasardhësit më të afërt të Çajkovskit. Ndikimi i autorit të "Mbretëresha e Spades" luajti padyshim një rol të rëndësishëm në formimin dhe zhvillimin e veprës së tij, gjë që është krejt e natyrshme për një të diplomuar në Konservatorin e Moskës, student i AS Arensky dhe SI Taneyev. Në të njëjtën kohë, ai perceptoi gjithashtu disa nga tiparet e shkollës së kompozitorëve "Petersburg": lirika e ngazëllyer e Tchaikovsky kombinohet në Rachmaninov me madhështinë e ashpër epike të Borodin, depërtimin e thellë të Mussorgsky në sistemin e të menduarit muzikor të lashtë rus dhe perceptimi poetik i natyrës amtare të Rimsky-Korsakov. Sidoqoftë, gjithçka e mësuar nga mësuesit dhe paraardhësit u rimendua thellë nga kompozitori, duke iu bindur vullnetit të tij të fortë krijues dhe duke marrë një karakter të ri, plotësisht të pavarur individual. Stili thellësisht origjinal i Rachmaninov ka integritet dhe organikë të madhe të brendshme.

Nëse kërkojmë paralele me të në kulturën artistike ruse të fillimit të shekullit, atëherë kjo është, para së gjithash, linja Chekhov-Bunin në letërsi, peizazhet lirike të Levitan, Nesterov, Ostroukhov në pikturë. Këto paralele janë vërejtur vazhdimisht nga autorë të ndryshëm dhe janë bërë pothuajse stereotipe. Dihet se me çfarë dashurie dhe respekti të zjarrtë e trajtoi Rakhmaninov veprën dhe personalitetin e Çehovit. Tashmë në vitet e mëvonshme të jetës së tij, duke lexuar letrat e shkrimtarit, i erdhi keq që nuk e kishte takuar më nga afër në kohën e tij. Kompozitori ishte i lidhur me Bunin për shumë vite me simpati të ndërsjellë dhe pikëpamje të përbashkëta artistike. Ata u mblodhën dhe u lidhën nga një dashuri e zjarrtë për natyrën e tyre amtare ruse, për shenjat e një jete të thjeshtë që tashmë po largohet në afërsi të një personi me botën përreth tij, qëndrimin poetik të botës, i ngjyrosur nga thellësia. lirizëm depërtues, etje për çlirim shpirtëror dhe çlirim nga prangat që kufizojnë lirinë e njeriut.

Burimi i frymëzimit për Rachmaninov ishte një shumëllojshmëri e impulseve që buronin nga jeta reale, bukuria e natyrës, imazhet e letërsisë dhe pikturës. "... Unë konstatoj," tha ai, "se idetë muzikore lindin tek unë me lehtësi më të madhe nën ndikimin e disa përshtypjeve ekstra-muzikore." Por në të njëjtën kohë, Rachmaninov u përpoq jo aq shumë për një pasqyrim të drejtpërdrejtë të disa fenomeneve të realitetit me anë të muzikës, për "pikturë në tinguj", por për shprehjen e reagimit të tij emocional, ndjenjat dhe përvojat që lindnin nën ndikimin e llojeve të ndryshme. përshtypjet e marra nga jashtë. Në këtë kuptim, mund të flasim për të si një nga përfaqësuesit më të mrekullueshëm dhe tipik të realizmit poetik të viteve 900, prirja kryesore e të cilit u formulua me sukses nga VG Korolenko: "Ne nuk pasqyrojmë thjesht fenomenet ashtu siç janë dhe bëjnë. mos krijoni një iluzion nga trillimi i botës inekzistente. Ne krijojmë ose manifestojmë një lidhje të re të shpirtit njerëzor me botën përreth që lind tek ne.

Një nga tiparet më karakteristike të muzikës së Rahmaninovit, e cila tërheq vëmendjen para së gjithash kur njihet me të, është melodia më shprehëse. Ndër bashkëkohësit e tij, ai shquhet për aftësinë e tij për të krijuar melodi të gjata dhe të shpalosura të frymëmarrjes së madhe, duke ndërthurur bukurinë dhe plasticitetin e vizatimit me shprehjen e ndritshme dhe intensive. Melodizmi, melodioziteti është cilësia kryesore e stilit të Rachmaninov, i cili në masë të madhe përcakton natyrën e të menduarit harmonik të kompozitorit dhe strukturën e veprave të tij, të ngopur, si rregull, me zëra të pavarur, ose duke lëvizur në plan të parë, ose duke u zhdukur në një dendur të dendur. pëlhurë e shëndoshë.

Rachmaninoff krijoi llojin e tij shumë të veçantë të melodisë, bazuar në një kombinim të teknikave karakteristike të Çajkovskit - zhvillim intensiv dinamik melodik me metodën e transformimeve variante, të kryera më qetë dhe me qetësi. Pas një ngritjeje të shpejtë ose një ngjitjeje të gjatë intensive në majë, melodia, si të thuash, ngrin në nivelin e arritur, duke u kthyer pa ndryshim në një tingull të kënduar gjatë, ose ngadalë, me parvazët fluturues, kthehet në lartësinë e saj origjinale. Marrëdhënia e kundërt është gjithashtu e mundur, kur një qëndrim pak a shumë i gjatë në një zonë të kufizuar të lartësisë së lartë prishet papritur nga rrjedha e melodisë për një interval të gjerë, duke futur një hije shprehjeje të mprehtë lirike.

Në një ndërthurje të tillë dinamike dhe statike, LA Mazel sheh një nga tiparet më karakteristike të melodisë së Rachmaninov. Një tjetër studiues i jep një kuptim më të përgjithshëm raportit të këtyre parimeve në veprën e Rachmaninov, duke treguar për alternimin e momenteve të "frenimit" dhe "përparimit" në themel të shumë prej veprave të tij. (VP Bobrovsky shpreh një ide të ngjashme, duke vënë në dukje se "mrekullia e individualitetit të Rachmaninoff qëndron në unitetin organik unik të dy tendencave të drejtuara në mënyrë të kundërt dhe në sintezën e tyre të natyrshme vetëm tek ai" - një aspiratë aktive dhe një tendencë për "qëndrim të gjatë në atë që ka qenë". arritur.”). Një prirje për lirikë soditëse, zhytje e zgjatur në një gjendje shpirtërore, sikur kompozitori të donte të ndalonte kohën e shkurtër, ai kombinohej me një energji të madhe, të nxituar nga jashtë, një etje për vetë-afirmim aktiv. Prandaj forca dhe mprehtësia e kontrasteve në muzikën e tij. Ai u përpoq të sillte çdo ndjenjë, çdo gjendje shpirtërore në shkallën ekstreme të shprehjes.

Në meloditë lirike të Rachmaninov që shpalosen lirshëm, me frymëmarrjen e tyre të gjatë e të pandërprerë, shpesh dëgjohet diçka e ngjashme me gjerësinë "e pashmangshme" të këngës popullore të vazhdueshme ruse. Megjithatë, në të njëjtën kohë, lidhja midis krijimtarisë së Rachmaninov dhe shkrimit të këngëve popullore ishte e një natyre shumë indirekte. Vetëm në raste të rralla, të izoluara, kompozitori përdori melodi të vërteta popullore; ai nuk u përpoq për një ngjashmëri të drejtpërdrejtë të melodive të veta me ato popullore. "Në Rachmaninov", vëren me të drejtë autori i një vepre të veçantë për melodinë e tij, "rrallëherë shfaqet drejtpërdrejt një lidhje me disa zhanre të artit popullor. Konkretisht, zhanri shpesh duket se tretet në “ndjenjën” e përgjithshme të folkut dhe nuk është, siç ndodhi me paraardhësit e tij, fillimi çimentues i të gjithë procesit të formësimit dhe shndërrimit në imazh muzikor. Në mënyrë të përsëritur është tërhequr vëmendja për tipare të tilla karakteristike të melodisë së Rachmaninov, të cilat e afrojnë atë me këngën popullore ruse, si qetësia e lëvizjes me mbizotërimin e lëvizjeve hap pas hapi, diatonizmi, një bollëk kthesash frigjiane etj. Të asimiluara thellë dhe organikisht nga kompozitori, këto tipare bëhen pronë e patjetërsueshme e stilit të autorit të tij individual, duke marrë një ngjyrim të veçantë shprehës, të veçantë për të.

Ana tjetër e këtij stili, po aq mbresëlënëse e papërmbajtshme sa pasuria melodike e muzikës së Rachmaninov-it, është një ritëm jashtëzakonisht energjik, fuqiplotë pushtues dhe në të njëjtën kohë fleksibël, ndonjëherë i çuditshëm. Si bashkëkohësit e kompozitorit ashtu edhe studiuesit e mëvonshëm shkruan shumë për këtë ritëm të Rachmaninoff-it, i cili në mënyrë të pavullnetshme tërheq vëmendjen e dëgjuesit. Shpesh është ritmi që përcakton tonin kryesor të muzikës. AV Ossovsky vuri në dukje në vitin 1904 në lidhje me lëvizjen e fundit të Suitës së Dytë për Dy Piano se Rachmaninov në të "nuk kishte frikë të thellonte interesin ritmik të formës Tarantella për një shpirt të shqetësuar dhe të errësuar, jo të huaj ndaj sulmeve të një lloj demonizmi në herë.”

Ritmi shfaqet te Rachmaninov si bartës i një parimi efektiv vullnetar që dinamizon strukturën muzikore dhe fut një "përmbytje ndjenjash" lirike në rrjedhën kryesore të një tërësie harmonike të plotë arkitektonike. BV Asafiev, duke krahasuar rolin e parimit ritmik në veprat e Rachmaninov dhe Tchaikovsky, shkroi: "Sidoqoftë, në këtë të fundit, natyra themelore e simfonisë së tij" të shqetësuar" u shfaq me forcë të veçantë në përplasjen dramatike të vetë temave. Në muzikën e Rachmaninov, shumë pasionante në integritetin e saj krijues, bashkimi i magazinës liriko-kontemplative të ndjenjës me magazinë organizative me vullnet të fortë të "Unë" të kompozitorit-interpretuesit rezulton të jetë ajo "sfera individuale" e soditjes personale. që kontrollohej nga ritmi në kuptimin e faktorit vullnetar…”. Modeli ritmik në Rachmaninov përvijohet gjithmonë shumë qartë, pavarësisht nëse ritmi është i thjeshtë, madje, si rrahjet e rënda, të matura të një zile të madhe, ose komplekse, me lule të ndërlikuara. I preferuari i kompozitorit, sidomos në veprat e viteve 1910, ostinato ritmike i jep ritmit rëndësi jo vetëm formuese, por në disa raste edhe tematike.

Në fushën e harmonisë, Rachmaninoff nuk shkoi përtej sistemit klasik major-minor në formën që fitoi në veprën e kompozitorëve romantikë evropianë, Çajkovskit dhe përfaqësuesve të Grushtit të Fuqishëm. Muzika e tij është gjithmonë tonalisht e përcaktuar dhe e qëndrueshme, por në përdorimin e mjeteve të harmonisë tonale klasiko-romantike, ai u karakterizua nga disa tipare karakteristike me të cilat nuk është e vështirë të vërtetohet autorësia e një ose një tjetër kompozimi. Ndër veçoritë e tilla të veçanta individuale të gjuhës harmonike të Rachmaninov janë, për shembull, ngadalësia e njohur e lëvizjes funksionale, tendenca për të qëndruar në një çelës për një kohë të gjatë dhe ndonjëherë dobësimi i gravitetit. Tërhiqet vëmendja te bollëku i formacioneve komplekse shumëtertëshe, rreshtave akordesh jo dhe jodecimale, që shpesh kanë rëndësi më të gjallë, fonike sesa funksionale. Lidhja e këtij lloj harmonish komplekse kryhet më së shumti me ndihmën e lidhjes melodike. Mbizotërimi i elementit melodik-këngë në muzikën e Rachmaninov përcakton shkallën e lartë të ngopjes polifonike të pëlhurës së tij tingullore: komplekset individuale harmonike lindin vazhdimisht si rezultat i lëvizjes së lirë të zërave pak a shumë të pavarur "këndues".

Ekziston një kthesë harmonike e preferuar nga Rachmaninoff, të cilën ai e përdori aq shpesh, veçanërisht në kompozimet e periudhës së hershme, saqë mori edhe emrin "harmonia e Rachmaninov". Ky qarkullim bazohet në një kordë të shtatë hyrëse të reduktuar të një minoreje harmonike, e përdorur zakonisht në formën e një terzkvartakkord me zëvendësimin e shkallës II III dhe rezolucionin në një treshe tonike në pozicionin e tretë melodik.

Lëvizja në një kuart të reduktuar që lind në këtë rast në zërin melodik, ngjall një ndjenjë pikëlluese vajtimi.

Si një nga tiparet e shquara të muzikës së Rachmaninov, një numër studiuesish dhe vëzhguesish vunë në dukje ngjyrosjen e saj të vogël mbizotëruese. Të katër koncertet e tij për piano, tre simfonitë, të dyja sonatat për piano, shumica e etydeve-fotografive dhe shumë kompozime të tjera janë shkruar në minor. Madje edhe majori shpesh fiton një ngjyrim të vogël për shkak të ndryshimeve në rënie, devijimeve tonale dhe përdorimit të gjerë të shkallëve të vogla anësore. Por pak kompozitorë kanë arritur një shumëllojshmëri të tillë nuancash dhe shkallësh të përqendrimit shprehës në përdorimin e çelësit minor. Vërejtja e LE Gakkelit se në etydet-piktura op. 39 “duke pasur parasysh gamën më të gjerë të ngjyrave të vogla të qenies, nuancat e vogla të ndjenjës së jetës” mund të shtrihen në një pjesë të konsiderueshme të të gjithë punës së Rachmaninoff. Kritikët si Sabaneev, i cili ushqente një armiqësi të paragjykuar ndaj Rachmaninov, e quajtën atë "një ankimues inteligjent", muzika e të cilit pasqyron "pafuqisë tragjike të një njeriu pa vullnet". Ndërkohë, minorja e dendur “e errët” e Rachmaninov shpesh tingëllon e guximshme, protestuese dhe plot tensione të jashtëzakonshme vullnetare. Dhe nëse veshi kapen shënime zie, atëherë ky është "dhimbja fisnike" e artistit patriot, ajo "rënkim i mbytur për tokën amtare", që u dëgjua nga M. Gorky në disa nga veprat e Buninit. Ashtu si ky shkrimtar afër tij në shpirt, Rachmaninov, sipas Gorkit, "mendonte për Rusinë në tërësi", duke u penduar për humbjet e saj dhe duke përjetuar ankth për fatin e së ardhmes.

Imazhi krijues i Rachmaninov në tiparet e tij kryesore mbeti integral dhe i qëndrueshëm gjatë gjithë rrugëtimit gjysmëshekullor të kompozitorit, pa përjetuar thyerje dhe ndryshime të mprehta. Parimet estetike dhe stilistike, të mësuara në rininë e tij, ai qëndroi besnik në vitet e fundit të jetës. Sidoqoftë, mund të vërehet një evolucion i caktuar në punën e tij, i cili manifestohet jo vetëm në rritjen e aftësive, pasurimin e paletës së tingullit, por ndikon pjesërisht edhe në strukturën figurative dhe shprehëse të muzikës. Në këtë rrugë, përvijohen qartë tre periudha të mëdha, ndonëse të pabarabarta si për nga kohëzgjatja ashtu edhe për nga shkalla e produktivitetit të tyre. Ato kufizohen nga njëra-tjetra nga cezura pak a shumë të gjata të përkohshme, breza dyshimi, reflektimi dhe hezitimi, kur nga pena e kompozitorit nuk doli asnjë vepër e vetme e përfunduar. Periudha e parë, e cila bie në vitet '90 të shekullit XNUMX, mund të quhet një kohë e zhvillimit krijues dhe maturimit të talentit, i cili shkoi për të pohuar rrugën e tij përmes tejkalimit të ndikimeve natyrore në moshë të re. Veprat e kësaj periudhe shpesh nuk janë ende mjaftueshëm të pavarura, të papërsosura në formë dhe teksturë. (Disa prej tyre (Koncerti i Parë për Piano, Trio Elegiac, pjesë për piano: Melodi, Serenatë, Humoresk) u rishikuan më vonë nga kompozitori dhe tekstura e tyre u pasurua dhe u zhvillua.), edhe pse në një sërë faqesh të tyre (momentet më të mira të operës rinore "Aleko", Trioja Elegjiake në kujtim të PI Çajkovskit, preludi i famshëm në minor C-sharp, disa nga momentet muzikore dhe romancat), individualiteti i kompozitorit. tashmë është zbuluar me siguri të mjaftueshme.

Një pauzë e papritur vjen në vitin 1897, pas shfaqjes së pasuksesshme të Simfonisë së Parë të Rachmaninov, vepër në të cilën kompozitori investoi shumë punë dhe energji shpirtërore, e cila u keqkuptua nga shumica e muzikantëve dhe pothuajse njëzëri u dënua në faqet e shtypit, madje edhe u tall. nga disa kritikë. Dështimi i simfonisë shkaktoi një traumë të thellë mendore te Rachmaninoff; sipas rrëfimit të tij, të mëvonshëm, ai "ishte si një njeri që kishte një goditje në tru dhe i cili për një kohë të gjatë humbi kokën dhe duart". Tre vitet e ardhshme ishin vite heshtjeje pothuajse të plotë krijuese, por në të njëjtën kohë reflektime të përqendruara, një rivlerësim kritik i gjithçkaje të bërë më parë. Rezultati i kësaj pune intensive të brendshme të kompozitorit mbi veten e tij ishte një ngritje krijuese jashtëzakonisht intensive dhe e ndritshme në fillim të shekullit të ri.

Gjatë tre ose katër viteve të para të shekullit të 23-të, Rakhmaninov krijoi një numër veprash të zhanreve të ndryshme, të shquara për poezinë e tyre të thellë, freskinë dhe menjëhershmërinë e frymëzimit, në të cilat pasuria e imagjinatës krijuese dhe origjinaliteti i "shkrimit të dorës" së autorit. kombinohen me mjeshtëri të lartë. Ndër to janë Koncerti i Dytë për Piano, Suita e Dytë për dy piano, sonata për violonçel dhe piano, kantata “Pranvera”, Dhjetë Prelude op. XNUMX, opera "Francesca da Rimini", disa nga shembujt më të mirë të teksteve vokale të Rachmaninov ("Lilac", "Ekstrakt nga A. Musset"), Kjo seri veprash vendosi pozicionin e Rachmaninoff si një nga kompozitorët më të mëdhenj dhe më interesantë rusë të kohës sonë, duke i sjellë atij një njohje të gjerë në rrethet e inteligjencës artistike dhe në masat e dëgjuesve.

Një periudhë relativisht e shkurtër kohore nga viti 1901 deri në vitin 1917 ishte më e frytshme në punën e tij: gjatë kësaj dekade e gjysmë, u shkruan shumica e veprave të pjekura, të pavarura në stil të Rachmaninov, të cilat u bënë pjesë integrale e klasikëve muzikorë kombëtarë. Pothuajse çdo vit sillte opuse të reja, shfaqja e të cilave u bë një ngjarje e dukshme në jetën muzikore. Me veprimtarinë e pandërprerë krijuese të Rachmaninoff, puna e tij nuk mbeti e pandryshuar gjatë kësaj periudhe: në kapërcyellin e dy dekadave të para, në të vërehen simptoma të një zhvendosjeje. Pa humbur cilësitë e tij të përgjithshme "gjenerike", bëhet më e ashpër në ton, humori shqetësues intensifikohet, ndërsa derdhja e drejtpërdrejtë e ndjenjës lirike duket se ngadalësohet, ngjyrat e lehta transparente shfaqen më rrallë në paletën e tingullit të kompozitorit, ngjyra e përgjithshme e muzikës. errësohet dhe trashet. Këto ndryshime vërehen në serinë e dytë të preludeve të pianos, vep. 32, dy cikle etyde-piktura, dhe veçanërisht kompozime të tilla monumentale të mëdha si "Këmbanat" dhe "Vigjilja e gjithë natës", të cilat shtrojnë pyetje të thella, themelore të ekzistencës njerëzore dhe qëllimit të jetës së një personi.

Evolucioni i përjetuar nga Rachmaninov nuk i shpëtoi vëmendjes së bashkëkohësve të tij. Një nga kritikët shkroi për The Bells: “Rakhmaninov duket se ka filluar të kërkojë disponime të reja, një mënyrë të re të të shprehurit të mendimeve të tij ... Ju ndjeni këtu stilin e ri të rilindur të Rachmaninov, i cili nuk ka asgjë të përbashkët me stilin e Çajkovskit. ”

Pas vitit 1917, fillon një pushim i ri në veprën e Rachmaninov, këtë herë shumë më i gjatë se ai i mëparshmi. Vetëm pas një dekade të tërë, kompozitori iu kthye kompozimit të muzikës, pasi kishte aranzhuar tre këngë popullore ruse për kor dhe orkestër dhe kishte përfunduar Koncertin e Katërt të Pianos, i filluar në prag të Luftës së Parë Botërore. Gjatë viteve '30 ai shkroi (me përjashtim të disa transkriptimeve të koncerteve për piano) vetëm katër, megjithatë domethënëse për sa i përket idesë së veprave madhore.

* * *

Në një mjedis kërkimesh komplekse, shpesh kontradiktore, një luftë të mprehtë, intensive drejtimesh, një ndarje të formave të zakonshme të vetëdijes artistike që karakterizuan zhvillimin e artit muzikor në gjysmën e parë të shekullit XNUMX, Rachmaninoff i qëndroi besnik klasikes së madhe. traditat e muzikës ruse nga Glinka te Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov dhe studentët dhe ndjekësit e tyre më të afërt, të drejtpërdrejtë të Taneyev, Glazunov. Por ai nuk e kufizoi veten në rolin e kujdestarit të këtyre traditave, por i perceptoi ato në mënyrë aktive, krijuese, duke pohuar fuqinë e tyre të gjallë, të pashtershme, aftësinë për zhvillim dhe pasurim të mëtejshëm. Një artist i ndjeshëm, mbresëlënës, Rachmaninov, megjithë respektimin e parimeve të klasikëve, nuk mbeti i shurdhër ndaj thirrjeve të modernitetit. Në qëndrimin e tij ndaj tendencave të reja stilistike të shekullit XNUMX, pati një moment jo vetëm konfrontimi, por edhe një ndërveprim të caktuar.

Për një periudhë gjysmë shekulli, vepra e Rachmaninov ka pësuar një evolucion të rëndësishëm dhe veprat e jo vetëm të viteve 1930, por edhe të viteve 1910 ndryshojnë ndjeshëm si në strukturën e tyre figurative, ashtu edhe në gjuhën, mjetet e shprehjes muzikore që nga fillimi, jo ende. opuse krejtësisht të pavarura të fundit të asaj të mëparshme. shekuj. Në disa prej tyre, kompozitori bie në kontakt me impresionizmin, simbolizmin, neoklasicizmin, ndonëse në një mënyrë thellësisht të veçantë, ai i percepton individualisht elementët e këtyre prirjeve. Me të gjitha ndryshimet dhe kthesat, imazhi krijues i Rachmaninov mbeti nga brenda shumë integral, duke ruajtur ato tipare themelore, përcaktuese që muzika e tij ia detyron popullaritetin e saj gamës më të gjerë të dëgjuesve: lirizmi pasionant, magjepsës, vërtetësia dhe sinqeriteti i të shprehurit, vizioni poetik i botës. .

Ju. Eja

Rachmaninoff dirigjent

Rachmaninov hyri në histori jo vetëm si kompozitor dhe pianist, por edhe si dirigjent i shquar i kohës sonë, megjithëse kjo anë e veprimtarisë së tij nuk ishte aq e gjatë dhe intensive.

Rachmaninov bëri debutimin e tij si dirigjent në vjeshtën e 1897 në Operën Private Mamontov në Moskë. Para kësaj, ai nuk kishte pse të drejtonte një orkestër dhe të studionte dirigjimin, por talenti i shkëlqyer i muzikantit e ndihmoi Rachmaninoff të mësonte shpejt sekretet e mjeshtërisë. Mjafton të kujtojmë se mezi ia doli ta përfundonte provën e parë: nuk e dinte se këngëtarët duhej të tregonin hyrjet; dhe disa ditë më vonë, Rachmaninov e kishte bërë tashmë punën e tij në mënyrë perfekte, duke drejtuar operën e Saint-Saens Samson dhe Delilah.

"Viti i qëndrimit tim në operën Mamontov ishte me rëndësi të madhe për mua," shkroi ai. "Atje fitova një teknikë të mirëfilltë dirigjenti, e cila më vonë më shërbeu jashtëzakonisht." Gjatë sezonit të punës si dirigjent i dytë i teatrit, Rachmaninov drejtoi njëzet e pesë shfaqje me nëntë opera: "Samson dhe Delilah", "Sirenë", "Carmen", "Orfeus" nga Gluck, "Rogneda" nga Serov, " Mignon” nga Tom, “Varri i Askoldit”, “Forca e armikut”, “Nata e majit”. Shtypi vuri në dukje menjëherë qartësinë e stilit të dirigjentit të tij, natyrshmërinë, mungesën e qëndrimit, një ndjenjë të hekurt të ritmit të transmetuar te interpretuesit, shijen delikate dhe një ndjenjë të mrekullueshme të ngjyrave orkestrale. Me marrjen e përvojës, këto tipare të Rachmaninoff si muzikant filluan të shfaqeshin në maksimum, të plotësuara nga besimi dhe autoriteti në punën me solistë, kor dhe orkestër.

Në vitet e ardhshme, Rachmaninoff, i marrë me kompozim dhe aktivitet pianistik, drejtoi vetëm herë pas here. Kulmi i talentit të tij dirigjent bie në periudhën 1904-1915. Prej dy sezonesh ai punon në Teatrin Bolshoi, ku interpretimi i tij i operave ruse gëzon sukses të veçantë. Ngjarjet historike në jetën e teatrit quhen nga kritikët shfaqjen e përvjetorit të Ivan Susanin, të cilën ai e drejtoi për nder të njëqindvjetorit të lindjes së Glinka, dhe Javës së Tchaikovsky, gjatë së cilës Rachmaninov drejtoi Mbretëreshën e Spades, Eugene Onegin, Oprichnik dhe baletit.

Më vonë, Rachmaninov drejtoi shfaqjen e Mbretëreshës së Spades në Shën Petersburg; recensentët ranë dakord se ishte ai që ishte i pari që kuptoi dhe i përcolli audiencës të gjithë kuptimin tragjik të operës. Ndër sukseset krijuese të Rachmaninov në Teatrin Bolshoi është gjithashtu prodhimi i tij i Pan Voevoda të Rimsky-Korsakov dhe operat e tij "Kalorësi koprrac" dhe "Françeska da Rimini".

Në skenën simfonike, Rachmaninov që në koncertet e para u tregua një mjeshtër i plotë në një shkallë të madhe. Epiteti “shkëlqyes” sigurisht që shoqëroi rishikimet e interpretimeve të tij si dirigjent. Më shpesh, Rachmaninoff u shfaq në stendën e dirigjentit në koncertet e Shoqërisë Filarmonike të Moskës, si dhe me orkestrat Siloti dhe Koussevitzky. Në 1907-1913, ai drejtoi shumë jashtë vendit - në qytetet e Francës, Holandës, SHBA, Anglisë, Gjermanisë.

Repertori i Rachmaninov si dirigjent ishte jashtëzakonisht i shumëanshëm në ato vite. Ai ishte në gjendje të depërtonte në stilin dhe karakterin më të ndryshëm të veprës. Natyrisht, muzika ruse ishte më afër tij. Ai ringjalli në skenë Simfoninë Bogatyr të Borodin, pothuajse e harruar deri në atë kohë, kontribuoi në popullaritetin e miniaturave të Lyadov, të cilat ai i interpretoi me shkëlqim të jashtëzakonshëm. Interpretimi i tij i muzikës së Çajkovskit (veçanërisht simfonia e 4-të dhe e 5-të) u karakterizua nga një rëndësi dhe thellësi e jashtëzakonshme; në veprat e Rimsky-Korsakov, ai ishte në gjendje të shpaloste gamën më të ndritshme të ngjyrave për audiencën, dhe në simfonitë e Borodin dhe Glazunov, ai mahniti audiencën me gjerësinë epike dhe integritetin dramatik të interpretimit.

Një nga kulmet e artit dirigjent të Rachmaninov ishte interpretimi i simfonisë G-minor të Mozartit. Kritiku Wolfing shkroi: “Çfarë kuptimi kanë shumë simfoni të shkruara dhe të shtypura para performancës së Rachmaninov të simfonisë g-moll të Mozartit! … Gjeniu artistik rus për herë të dytë transformoi dhe shfaqi natyrën artistike të autorit të kësaj simfonie. Mund të flasim jo vetëm për Mozartin e Pushkinit, por edhe për Mozartin e Rahmaninovit…”

Së bashku me këtë, ne gjejmë shumë muzikë romantike në programet e Rachmaninov - për shembull, Simfonia Fantastike e Berliozit, simfonitë e Mendelssohn dhe Franck, uvertura e Oberon e Weber dhe fragmente nga operat e Wagnerit, poema e Liszt-it dhe Lirika e Griegut - And next to it Suite... një shfaqje madhështore e autorëve modernë – poezi simfonike të R. Strauss, vepra të impresionistëve: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse… Dhe sigurisht, Rachmaninov ishte një interpretues i patejkalueshëm i kompozimeve të tij simfonike. Muzikologu i mirënjohur sovjetik V. Yakovlev, i cili dëgjoi Rachmaninov më shumë se një herë, kujton: "Jo vetëm publiku dhe kritikët, anëtarët me përvojë të orkestrës, profesorët, artistët e njohën udhëheqjen e tij si pikën më të lartë në këtë art ... Metodat e tij të punës ishin reduktuar jo aq në një shfaqje, por në vërejtje të veçanta, shpjegime të ulëta, shpesh ai këndonte ose në një formë ose në një tjetër shpjegonte atë që kishte menduar më parë. Të gjithë ata që ishin të pranishëm në koncertet e tij i mbajnë mend ato gjeste të gjera karakteristike të gjithë dorës, jo vetëm nga peneli; ndonjëherë këto gjeste të tij konsideroheshin të tepërta nga anëtarët e orkestrës, por i njihnin dhe kuptoheshin prej tyre. Nuk kishte artificialitet në lëvizje, poza, asnjë efekt, asnjë vizatim me dorë. Kishte pasion të pakufishëm, të paraprirë nga mendimi, analiza, mirëkuptimi dhe depërtimi i stilit të interpretuesit.

Le të shtojmë se Rachmaninoff dirigjenti ishte gjithashtu një ansambleist i patejkalueshëm; solistë në koncertet e tij ishin artistë të tillë si Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, dhe në shfaqjet e operës Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov ...

Pas vitit 1913, Rachmaninoff refuzoi të interpretonte vepra nga autorë të tjerë dhe drejtoi vetëm kompozimet e tij. Vetëm në vitin 1915 ai devijoi nga ky rregull duke drejtuar një koncert në kujtim të Scriabin. Megjithatë, edhe më vonë reputacioni i tij si dirigjent ishte jashtëzakonisht i lartë në të gjithë botën. Mjafton të thuhet se menjëherë pas mbërritjes në Shtetet e Bashkuara në 1918, atij iu ofrua drejtimi i orkestrave më të mëdha në vend - në Boston dhe Cincinnati. Por në atë kohë ai nuk mund t'i kushtonte më kohë dirigjimit, i detyruar të zhvillonte një aktivitet intensiv koncert si pianist.

Vetëm në vjeshtën e vitit 1939, kur në Nju Jork u organizua një cikël koncertesh nga veprat e Rachmaninov, kompozitori pranoi të drejtonte njërën prej tyre. Orkestra e Filadelfias më pas performoi Simfoninë e Tretë dhe Kambanat. Ai përsëriti të njëjtin program në vitin 1941 në Çikago dhe një vit më vonë drejtoi shfaqjen e "Isle of the Dead" dhe "Symphonic Dance" në Egan Arbor. Kritiku O. Daune shkroi: “Rakhmaninov dëshmoi se ka të njëjtën aftësi dhe kontroll mbi performancën, muzikalitetin dhe fuqinë krijuese, duke udhëhequr orkestrën, të cilën e tregon kur luan në piano. Karakteri dhe stili i lojës së tij, si dhe dirigjimi i tij, bien me qetësi dhe besim. Është e njëjta mungesë e plotë e shfaqjes, e njëjta ndjenjë dinjiteti dhe kufizimi i dukshëm, e njëjta forcë perandorake e admirueshme. Regjistrimet e Ishullit të të Vdekurve, Vocalise dhe Simfonisë së Tretë të bëra në atë kohë kanë ruajtur për ne dëshmi të artit dirigjent të muzikantit të shkëlqyer rus.

L. Grigoriev, J. Platek