Lev Nikolaevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Ka qytete me merita të veçanta para botës muzikore, për shembull, Odessa. Sa emra brilantë i dhuruan skenës së koncerteve në vitet e paraluftës. Tbilisi, vendlindja e Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze dhe një sërë muzikantësh të tjerë të shquar, ka diçka për të cilën duhet të krenohet. Lev Nikolaevich Vlasenko gjithashtu filloi rrugën e tij artistike në kryeqytetin e Gjeorgjisë - një qytet me tradita të gjata dhe të pasura artistike.

Siç ndodh shpesh me muzikantët e ardhshëm, mësuesja e tij e parë ishte nëna e tij, e cila dikur mësoi vetë në departamentin e pianos të Konservatorit Tbilisi. Pas ca kohësh, Vlasenko shkon te mësuesja e famshme gjeorgjiane Anastasia Davidovna Virsaladze, e diplomuar, duke studiuar në klasën e saj, një shkollë muzikore dhjetëvjeçare, pastaj vitin e parë të konservatorit. Dhe, duke ndjekur rrugën e shumë talenteve, ai zhvendoset në Moskë. Që nga viti 1948, ai ka qenë në mesin e studentëve të Yakov Vladimirovich Flier.

Këto vite nuk janë të lehta për të. Ai është student i dy institucioneve të arsimit të lartë njëherësh: përveç konservatorit, Vlasenko studion (dhe i përfundon me sukses studimet në kohën e duhur) në Institutin e Gjuhëve të Huaja; Pianisti flet rrjedhshëm anglisht, frëngjisht, italisht. E megjithatë i riu ka mjaft energji dhe forcë për gjithçka. Në konservator, ai gjithnjë e më shumë performon në ahengje studentore, emri i tij bëhet i njohur në qarqet muzikore. Megjithatë, pritet më shumë prej tij. Në të vërtetë, në vitin 1956 Vlasenko fitoi çmimin e parë në Konkursin Liszt në Budapest.

Dy vjet më vonë, ai përsëri merr pjesë në konkursin e muzikantëve interpretues. Këtë herë, në shtëpinë e tij në Moskë, në Konkursin e Parë Ndërkombëtar të Çajkovskit, pianisti fitoi çmimin e dytë, duke lënë pas vetëm Van Cliburn, i cili atëherë ishte në kulmin e talentit të tij të jashtëzakonshëm.

Vlasenko thotë: «Menjëherë pas mbarimit të konservatorit, më thirrën në radhët e Ushtrisë Sovjetike. Për rreth një vit nuk e preka instrumentin - jetova me mendime, vepra, shqetësime krejtësisht të ndryshme. Dhe, sigurisht, goxha nostalgjik për muzikën. Kur u çmobilizova, i nisa punës me energji të trefishuar. Me sa duket, në aktrimin tim kishte atëherë një lloj freskie emocionale, forcë artistike të pashpenzuar, etje për krijimtarinë skenike. Gjithmonë ndihmon në skenë: edhe mua më ndihmoi në atë kohë.

Pianisti thotë se dikur i bëhej pyetja: në cilin nga testet – në Budapest apo në Moskë – e ka pasur më të vështirë? "Sigurisht, në Moskë," u përgjigj ai në raste të tilla, "Konkursi i Çajkovskit, në të cilin unë performova, u mbajt për herë të parë në vendin tonë. i parë – kjo i thotë të gjitha. Ai ngjalli interes të madh - ai mblodhi në juri muzikantët më të shquar, sovjetikë dhe të huaj, tërhoqi audiencën më të gjerë, u fut në qendër të vëmendjes së radios, televizionit dhe shtypit. Ishte jashtëzakonisht e vështirë dhe e përgjegjshme të luash në këtë konkurs – çdo hyrje në piano vlente shumë tension nervor…”

Fitoret në garat muzikore me reputacion - dhe "ari" i fituar nga Vlasenko në Budapest dhe "argjendi" i tij i fituar në Moskë u konsideruan si fitore të mëdha - i hapën dyert e skenës së madhe për të. Ai bëhet një interpretues profesionist koncertesh. Shfaqjet e tij si në shtëpi ashtu edhe në vende të tjera tërheqin dëgjues të shumtë. Atij, megjithatë, nuk i kushtohen vetëm shenja vëmendjeje si muzikant, pronar i regalive të vlefshme laureate. Qëndrimi ndaj tij që në fillim përcaktohet ndryshe.

Ka në skenë, si në jetë, natyra që gëzojnë simpati universale – të drejtpërdrejta, të hapura, të sinqerta. Vlasenko si një artist mes tyre. Ju gjithmonë e besoni atë: nëse ai është i apasionuar pas interpretimit të një vepre, ai është vërtet i pasionuar, i emocionuar - kaq i emocionuar; nëse jo, ai nuk mund ta fshehë atë. I ashtuquajturi art i performancës nuk është domeni i tij. Ai nuk vepron dhe nuk shpërbëhet; motoja e tij mund të jetë: "Unë them atë që mendoj, shpreh atë që ndihem". Hemingway ka fjalë të mrekullueshme me të cilat karakterizon një nga heronjtë e tij: "Ai ishte vërtet, njerëzisht i bukur nga brenda: buzëqeshja e tij vinte nga vetë zemra ose nga ajo që quhet shpirti i një personi, dhe më pas erdhi me gëzim dhe haptazi në sipërfaqja, domethënë ndriçoi fytyrën " (Hemingway E. Përtej lumit, nën hijen e pemëve. – M., 1961. S. 47.). Duke dëgjuar Vlasenkon në momentet e tij më të mira, ndodh që të kujtohen këto fjalë.

Dhe një gjë tjetër i bën përshtypje publikut kur takohet me një pianist – skenën e tij të qenët i shoqërueshëm. A janë të paktë ata që mbyllen në skenë, tërhiqen në vetvete nga emocionet? Të tjerët janë të ftohtë, të përmbajtur nga natyra, kjo e bën veten të ndihet në artin e tyre: ata, sipas një shprehjeje të zakonshme, nuk janë shumë "të shoqërueshëm", ata e mbajnë dëgjuesin si në një distancë nga vetja. Me Vlasenkon, për shkak të veçorive të talentit të tij (qoftë artistik apo njerëzor), është e lehtë, sikur në vetvete, të vendosësh kontakte me audiencën. Njerëzit që e dëgjojnë për herë të parë ndonjëherë shprehin habi - përshtypja është se e kanë njohur prej kohësh dhe mirë si artist.

Ata që e njihnin nga afër mësuesin e Vlasenkos, profesorin Yakov Vladimirovich Flier, argumentojnë se ata kishin shumë të përbashkëta - një temperament të ndritshëm pop, bujari e derdhjeve emocionale, një mënyrë e guximshme dhe gjithëpërfshirëse e lojës. Ishte vërtet. Nuk është rastësi që, pasi mbërriti në Moskë, Vlasenko u bë student i Flier dhe një nga studentët më të afërt; më vonë lidhja e tyre u shndërrua në miqësi. Megjithatë, farefisnia e natyrave krijuese të dy muzikantëve ishte e dukshme edhe nga repertori i tyre.

Personat e vjetër të sallave të koncerteve e mbajnë mend mirë se si Flier shkëlqeu dikur në programet e Liszt-it; ka një model në faktin se Vlasenko bëri debutimin e tij edhe me veprat e Liszt (konkursi në 1956 në Budapest).

"Unë e dua këtë autor," thotë Lev Nikolaevich, "pozicioni i tij krenar artistik, patosi fisnik, toga spektakolare e romancës, stili oratorik i të shprehurit. Ndodhi që në muzikën e Liszt-it gjithmonë e kam gjetur veten lehtësisht… Mbaj mend që që në moshë të re e kam luajtur me kënaqësi të veçantë.

Vlasenko, megjithatë, jo vetëm filluar nga Liszt rrugën tuaj në skenën e madhe të koncerteve. Dhe sot, shumë vite më vonë, veprat e këtij kompozitori janë në qendër të programeve të tij – nga etydet, rapsoditë, transkriptimet, pjesët nga cikli “Vitet e bredhjeve” deri te sonatat dhe vepra të tjera të formës së madhe. Pra, një ngjarje e shquar në jetën filarmonike të Moskës në sezonin 1986/1987 ishte interpretimi i Vlasenkos i të dy koncerteve për piano, "Vallja e vdekjes" dhe "Fantazi mbi temat hungareze" nga Liszt; shoqëruar nga një orkestër e drejtuar nga M. Pletnev. (Kjo mbrëmje iu kushtua 175 vjetorit të lindjes së kompozitorit.) Suksesi me publikun ishte vërtet i madh. Dhe nuk është çudi. Bravura e shkëlqyeshme e pianos, ngazëllimi i përgjithshëm i tonit, "fjalimi i zëshëm" i skenës, afresku, stili i fuqishëm i lojës - e gjithë kjo është elementi i vërtetë i Vlasenkos. Këtu pianisti shfaqet nga ana më e favorshme për veten e tij.

Është një autor tjetër që nuk është më pak i afërt me Vlasenkon, ashtu siç i njëjti autor ishte i afërt me mësuesin e tij, Rachmaninov. Në posterat e Vlasenkos mund të shihni koncerte për piano, prelude dhe pjesë të tjera të Rachmaninoff. Kur një pianist është “në ritëm”, ai është vërtet i zoti në këtë repertor: e vërshon publikun me një vërshim të gjerë ndjenjash, “mbytet”, siç shprehet një nga kritikët, me pasione të mprehta dhe të forta. Zotëron me mjeshtëri Vlasenko dhe timbra të trasha, "violonçel", që luajnë një rol kaq të madh në muzikën e pianos së Rachmaninov. Ai ka duar të rënda dhe të buta: pikturimi i tingullit me "vaj" është më afër natyrës së tij sesa "grafika" e tingullit të thatë; - mund të thuhet, duke ndjekur analogjinë e filluar me pikturën, se një furçë e gjerë është më e përshtatshme për të sesa një laps i mprehur ashpër. Por, me siguri, gjëja kryesore në Vlasenko, meqenëse flasim për interpretimet e tij të dramave të Rachmaninov, është se ai në gjendje të përqafojë formën muzikore në tërësi. Përqafoni lirshëm dhe natyrshëm, pa u shpërqendruar, ndoshta, nga disa gjëra të vogla; Kjo është pikërisht se si, meqë ra fjala, performuan Rachmaninov dhe Flier.

Së fundi, është kompozitori, i cili, sipas Vlasenkos, është bërë pothuajse më i afërti me të ndër vite. Ky është Bethoven. Në të vërtetë, sonatat e Beethoven-it, kryesisht Pathetique, Lunar, Second, XVII, Appassionata, Bagatelles, ciklet e variacionit, Fantasia (Op. 77), formuan bazën e repertorit të Vlasenkos të viteve shtatëdhjetë dhe tetëdhjetë. Një detaj interesant: duke mos iu referuar vetes si specialist në biseda të gjata rreth muzikës - atyre që dinë dhe duan ta interpretojnë atë me fjalë, Vlasenko, megjithatë, foli disa herë me tregime për Beethoven në Televizionin Qendror.

“Me kalimin e moshës, tek ky kompozitor më duket gjithnjë e më tërheqës”, thotë pianisti. "Për një kohë të gjatë kisha një ëndërr - të luaja një cikël prej pesë koncerteve të tij për piano." Lev Nikolaevich e përmbushi këtë ëndërr, dhe në mënyrë të shkëlqyer, në një nga sezonet e fundit.

Sigurisht, Vlasenko, siç duhet të jetë një interpretues profesionist i ftuar, i drejtohet një larmie të gjerë muzikore. Arsenali i tij interpretues përfshin Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich… Megjithatë, suksesi i tij në këtë repertor, ku diçka është më afër tij, dhe diçka më tej, nuk është i njëjtë, jo gjithmonë i qëndrueshëm dhe madje. Megjithatë, nuk duhet habitur: Vlasenko ka një stil interpretimi mjaft të caktuar, baza e të cilit është një virtuozitet i madh dhe gjithëpërfshirës; ai luan vërtet si mashkull – i fortë, i qartë dhe i thjeshtë. Diku bind, dhe plotësisht, diku jo plotësisht. Nuk është rastësi që po t'i shikoni më nga afër programet e Vlasenkos, do të vini re se ai i afrohet Chopin me kujdes…

Duke folur për thо interpretuar nga artisti, është e pamundur të mos vërehen më të suksesshmit në programet e tij të viteve të fundit. Këtu është sonata B minor e Liszt-it dhe etydet-pikturat e Rachmaninov-it, Sonata e Tretë e Scriabin-it dhe Sonata e Ginastera-s, Imazhet e Debussy-t dhe ishulli i tij i gëzimit, Rondo-ja e Hummel-it në La maxhor dhe Cordova e Albeniz-it... Që nga viti 1988, kanë qenë postimet e dyta të viteve 126. BA Arapov, i mësuar së fundmi prej tij, si dhe Bagatelles, Op. 11 Beethoven, Preludes, Op. 12 dhe XNUMX Scriabin (edhe vepra të reja). Në interpretimet e këtyre dhe veprave të tjera, ndoshta janë veçanërisht të dukshme veçoritë e stilit modern të Vlasenkos: pjekuria dhe thellësia e mendimit artistik, e kombinuar me një ndjenjë muzikore të gjallë dhe të fortë që nuk është zbehur me kalimin e kohës.

Që nga viti 1952, Lev Nikolaevich ka dhënë mësim. Në fillim, në Shkollën e Korit të Moskës, më vonë në Shkollën Gnessin. Që nga viti 1957 është ndër mësuesit e Konservatorit të Moskës; në klasën e tij, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko dhe pianistë të tjerë morën një biletë për jetën në skenë. M. Pletnev studioi me Vlasenko për disa vjet - në vitin e tij të fundit në konservator dhe si asistent. Ndoshta këto ishin faqet më të ndritshme dhe më emocionuese të biografisë pedagogjike të Lev Nikolaevich ...

Mësimdhënia do të thotë t'u përgjigjesh vazhdimisht disa pyetjeve, të zgjidhësh probleme të shumta dhe të papritura që shtron jeta, praktika arsimore dhe rinia studentore. Çfarë duhet pasur parasysh, për shembull, kur zgjedh një repertor edukativo-pedagogjik? Si i ndërtoni marrëdhëniet me studentët? si të zhvillohet një mësim në mënyrë që të jetë sa më efektiv? Por ndoshta ankthi më i madh lind për çdo mësues të konservatorit në lidhje me shfaqjet publike të nxënësve të tij. Dhe vetë muzikantët e rinj kërkojnë me ngulm një përgjigje nga profesorët: çfarë duhet për suksesin skenik? a është e mundur që disi të përgatitet, "sigurohet"? Në të njëjtën kohë, të vërteta të dukshme – si për shembull fakti që, thonë ata, programi duhet të mësohet mjaftueshëm, teknikisht “të bëhet” dhe se “çdo gjë duhet të funksionojë dhe të dalë” – pak njerëz mund të jenë të kënaqur. Vlasenko e di se në raste të tilla njeriu mund të thotë diçka vërtet të dobishme dhe të nevojshme vetëm në bazë të përvojës së tij. Vetëm nëse niseni nga me përvojë dhe me përvojë prej tij. Në fakt, kjo është pikërisht ajo që ata që ai mëson presin prej tij. "Arti është përvoja e jetës personale, e treguar në imazhe, në ndjesi," shkroi AN Tolstoi, " përvojë personale që pretendon të jetë një përgjithësim» (Tolstykh VI Arti dhe Morali. – M., 1973. S. 265, 266.). Arti i mësimdhënies, aq më tepër. Prandaj, Lev Nikolaevich me dëshirë i referohet praktikës së tij të performancës - si në klasë, midis studentëve, ashtu edhe në bisedat dhe intervistat publike:

“Disa gjëra të paparashikueshme, të pashpjegueshme po ndodhin vazhdimisht në skenë. Për shembull, mund të arrij në sallën e koncerteve i pushuar mirë, i përgatitur për performancën, i sigurt në veten time - dhe klavierabendi do të kalojë pa shumë entuziazëm. Dhe anasjelltas. Mund të ngjitem në skenë në një gjendje të tillë që të duket se nuk do të mund të nxjerr asnjë notë nga instrumenti - dhe loja papritmas do të "shkojë". Dhe gjithçka do të bëhet e lehtë, e këndshme… Çfarë është puna këtu? nuk e di. Dhe askush nuk e di ndoshta.

Edhe pse ka diçka për të parashikuar për të lehtësuar minutat e para të qëndrimit tuaj në skenë – dhe ato janë më të vështirat, të shqetësuara, më të pabesueshmet… – mendoj se është ende e mundur. Ajo që ka rëndësi, për shembull, është vetë ndërtimi i programit, faqosja e tij. Çdo interpretues e di se sa e rëndësishme është kjo - dhe pikërisht në lidhje me problemin e mirëqenies së popit. Në parim, kam prirjen ta nis një koncert me një pjesë në të cilën ndihem sa më i qetë dhe i sigurt. Kur luaj, përpiqem të dëgjoj sa më afër zërin e pianos; përshtaten me akustikën e dhomës. Me pak fjalë, përpiqem të hyj plotësisht, të zhytem në procesin e performancës, të interesohem për atë që bëj. Kjo është gjëja më e rëndësishme - të interesoheni, të rrëmbeheni, të përqendroheni plotësisht në lojë. Pastaj eksitimi fillon të ulet gradualisht. Ose ndoshta thjesht ndaloni ta vini re. Nga këtu është tashmë një hap drejt gjendjes krijuese që kërkohet.

Vlasenko i kushton rëndësi të madhe gjithçkaje që në një mënyrë ose në një tjetër i paraprin një fjalimi publik. “Më kujtohet një herë që po flisja për këtë temë me pianisten e mrekullueshme hungareze Annie Fischer. Ajo ka një rutinë të veçantë ditën e koncertit. Ajo nuk ha pothuajse asgjë. Një vezë e zier pa kripë dhe kaq. Kjo e ndihmon atë të gjejë gjendjen e nevojshme psiko-fiziologjike në skenë - nervozisht optimiste, e emocionuar me gëzim, ndoshta edhe pak e ekzaltuar. Shfaqet ajo hollësi dhe mprehtësi e veçantë e ndjenjave, e cila është absolutisht e nevojshme për një interpretues koncerti.

E gjithë kjo, nga rruga, shpjegohet lehtësisht. Nëse një person është i ngopur, zakonisht ka tendencë të bjerë në një gjendje të relaksuar të vetëkënaqur, apo jo? Në vetvete, mund të jetë edhe e këndshme edhe "e rehatshme", por nuk është shumë e përshtatshme për të performuar para një publiku. Sepse vetëm ai që është i elektrizuar nga brenda, i cili i ka të gjitha vargjet e tij shpirtërore që vibrojnë në mënyrë të tensionuar, mund të ngjallë një përgjigje nga audienca, ta shtyjë atë drejt ndjeshmërisë…

Prandaj, ndonjëherë ndodh e njëjta gjë, siç e kam përmendur më lart. Duket se gjithçka është e favorshme për një shfaqje të suksesshme: artisti ndihet mirë, ai është i qetë nga brenda, i ekuilibruar, pothuajse i sigurt në aftësitë e tij. Dhe koncerti është i pangjyrë. Nuk ka asnjë rrymë emocionale. Dhe reagimet e dëgjuesve, natyrisht, gjithashtu…

Me pak fjalë, është e nevojshme të korrigjoni gabimet, të mendoni për rutinën e përditshme në prag të performancës - në veçanti, dietën - është e nevojshme.

Por, sigurisht, kjo është vetëm njëra anë e çështjes. Më tepër e jashtme. Në përgjithësi, e gjithë jeta e një artisti – në mënyrë ideale – duhet të jetë e tillë që ai të jetë gjithmonë, në çdo moment, i gatshëm t’i përgjigjet me shpirt të bukurës sublime, shpirtërore, poetike. Ndoshta, nuk ka nevojë të provohet se një person që është i interesuar për artin, që është i dhënë pas letërsisë, poezisë, pikturës, teatrit, është shumë më i prirur ndaj ndjenjave të larta sesa një person mesatar, të gjitha interesat e të cilit janë të përqendruara në sferë. e zakonshme, materiale, e përditshme.

Artistët e rinj dëgjojnë shpesh përpara shfaqjeve të tyre: “Mos mendoni për publikun! Ndërhyn! Mendoni në skenë vetëm për atë që po bëni vetë…”. Vlasenko thotë për këtë: "Është e lehtë të këshillosh ...". Ai e di mirë kompleksitetin, paqartësinë, dualitetin e kësaj situate:

“A ka audiencë për mua personalisht gjatë një shfaqjeje? A e vërej atë? Po dhe jo. Nga njëra anë, kur futesh plotësisht në procesin e performancës, është sikur nuk mendon për publikun. Ju harroni plotësisht gjithçka përveç asaj që bëni në tastierë. E megjithatë… Çdo muzikant koncerti ka një shqisën e gjashtë të caktuar – “ndjenjën e audiencës”, do të thosha. Dhe prandaj, reagimin e atyre që janë në sallë, qëndrimin e njerëzve ndaj jush dhe lojës tuaj, e ndjeni vazhdimisht.

A e dini se çfarë është më e rëndësishme për mua gjatë një koncerti? Dhe më zbuluesja? Heshtje. Sepse gjithçka mund të organizohet – edhe reklamimi, edhe zënia e lokaleve, edhe duartrokitjet, lulet, urimet, e kështu me radhë e kështu me radhë, gjithçka përveç heshtjes. Nëse salla ngriu, mbajti frymën, do të thotë se diçka po ndodh vërtet në skenë - diçka domethënëse, emocionuese ...

Kur ndjej gjatë lojës se kam tërhequr vëmendjen e publikut, më jep një shpërthim të madh energjie. Shërben si një lloj droge. Momente të tilla janë një lumturi e madhe për interpretuesin, kulmi i ëndrrave të tij. Megjithatë, si çdo gëzim i madh, kjo ndodh rrallë.

Ndodh që Lev Nikolayevich pyetet: a beson ai në frymëzimin skenik - ai, një artist profesionist, për të cilin interpretimi para publikut është në thelb një punë që është kryer rregullisht, në shkallë të gjerë, për shumë vite ... "E natyrisht, vetë fjala "frymëzim" » e konsumuar, e stampuar, e konsumuar nga përdorimi i shpeshtë. Me gjithë këtë, më besoni, çdo artist është gati të lutet për frymëzim. Ndjenja këtu është e vetme: sikur të jeni autori i muzikës që po interpretohet; sikur gjithçka në të të ishte krijuar nga ti vetë. Dhe sa gjëra të reja, të papritura, vërtet të suksesshme lindin në momente të tilla në skenë! Dhe fjalë për fjalë në gjithçka - në ngjyrosjen e tingullit, shprehjen, në nuancat ritmike, etj.

Unë do të them këtë: është shumë e mundur të japësh një koncert të mirë, profesionalisht solid edhe në mungesë të frymëzimit. Ka disa raste të tilla. Por nëse frymëzimi i vjen artistit, koncerti mund të bëhet i paharrueshëm…”

Siç e dini, nuk ka mënyra të besueshme për të ngjallur frymëzim në skenë. Por është e mundur të krijohen kushte që, në çdo rast, do të ishin të favorshme për të, do të përgatitnin terrenin e duhur, beson Lev Nikolayevich.

“Së pari, një nuancë psikologjike është e rëndësishme këtu. Duhet të dini dhe të besoni: atë që mund të bëni në skenë, askush tjetër nuk do ta bëjë. Le të mos jetë kështu kudo, por vetëm në një repertor të caktuar, në veprat e një ose dy-tre autorëve – nuk ka rëndësi, nuk është kjo çështje. Gjëja kryesore, e përsëris, është vetë ndjenja: si luan ti, tjetri nuk do të luajë. Ai, ky “tjetri” imagjinar, mund të ketë një teknikë më të fortë, një repertor më të pasur, përvojë më të gjerë – çdo gjë. Por ai, megjithatë, nuk do ta këndojë frazën ashtu siç e bëni ju, ai nuk do të gjejë një hije kaq interesante dhe delikate tingulli ...

Ndjenja për të cilën po flas tani duhet të jetë e njohur për një muzikant koncerti. Frymëzon, ngre lart, ndihmon në momente të vështira në skenë.

Shpesh mendoj për mësuesin tim Yakov Vladimirovich Flier. Ai gjithmonë përpiqej t'i gëzonte studentët - i bëri ata të besonin në vetvete. Në momentet e dyshimit, kur jo gjithçka shkonte mirë me ne, ai në njëfarë mënyre rrënjoste shpirtin e mirë, optimizmin dhe një humor të mirë krijues. Dhe kjo na solli neve, nxënësve të klasës së tij, një përfitim të padyshimtë.

Mendoj se pothuajse çdo artist që performon në një skenë të madhe koncertesh është i bindur në thellësi të shpirtit se luan pak më mirë se të tjerët. Ose, në çdo rast, ndoshta ai është në gjendje të luajë më mirë ... Dhe nuk ka nevojë të fajësohet askënd për këtë - ka një arsye për këtë vetë-rregullim.

… Në vitin 1988, një festival i madh ndërkombëtar muzikor u zhvillua në Santander (Spanjë). Tërhoqi vëmendjen e veçantë të publikut – ndër pjesëmarrësit ishin I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy dhe artistë të tjerë të shquar evropianë dhe të huaj. Koncertet e Lev Nikolaevich Vlasenko u mbajtën me sukses të vërtetë në kuadër të këtij festivali muzikor. Kritikët folën me admirim për talentin e tij, aftësinë, aftësinë e tij të lumtur për të "marrë në dorë dhe magjepsur ..." Performancat në Spanjë, si turnetë e tjera të Vlasenkos në gjysmën e dytë të viteve tetëdhjetë, konfirmuan bindshëm se interesi për artin e tij nuk ishte shuar. Ai është ende në një vend të spikatur në jetën moderne koncertale, sovjetike dhe të huaj. Por të mbash këtë vend është shumë më e vështirë sesa ta fitosh atë.

G. Tsypin, 1990